Art + Design. Wit, umor și WOW

În câteva seri reci din noiembrie la New York, mii de cunoscători de artă îndrăgiți, colecționari, galeriști (și personalul lor), designeri de interior și alții cărora le place un cocktail grozav și obiecte de artă uimitoare, au convergit în Parc. Avenue Armory către OMG, OOO și AhAha pentru lucrări originale de mare frumusețe (și prețuri grozave) pentru a strânge bani pentru organizații de caritate (inclusiv Dia Art Foundation și Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique și InCollect au participat în calitate de sponsori ai evenimentului.

Cincizeci și șase de galeristi din 11 țări (inclusiv SUA. Europa, Marea Britanie, Germania, Belgia, Franța, Danemarca, Italia, Monaco, Țările de Jos, Africa de Sud, Spania și Suedia) din 30 de galerii internaționale – au prezentat o abordare globală la modernism. Salonul a expus (pentru cumpărare și admirație) mobilier istoric, modern și contemporan, modele originale și artă de la sfârșitul secolului XIX-XX.

 Valoarea economiei creative

În 2015, valoarea producției artistice și culturale din SUA a fost de 763.6 miliarde de dolari, reprezentând 4.2% din produsul intern brut. Artele au contribuit mai mult la economia națională decât industria construcțiilor, mineritul, asigurările, cazarea și industria alimentară.

• Artiștii creativi sunt un atu economic în SUA și în 2015, datorită artiștilor, SUA au avut un excedent comercial de 20 de miliarde de dolari în arte și mărfuri culturale (America a exportat 63.6 miliarde de dolari și a importat 42.6 miliarde de dolari de arte și cultură).

 

• Consumatorii economiei creative cheltuiesc peste 102.5 miliarde de dolari pentru arte, inclusiv bunuri și servicii, bilete de intrare, mâncare, cazare și cadouri (2017).

 

• Sectorul artistic și cultural oferă un număr mare de locuri de muncă (4.9 milioane în 2015), reprezentând 3% din toate locurile de muncă din SUA, care, în mod colectiv, i-au plătit muncitorilor cu 372 de miliarde de dolari.

Statele Prosper din arte

Dintre state, artele reprezintă cea mai mare parte a economiei Washingtonului, 7.9% sau 35.6 miliarde de dolari. Bazându-se pe industria de film și televiziune, economia artei din California oferă cei mai mulți bani dintre state, cu 174.6 miliarde de dolari (7 la sută).

New York ocupă locul al doilea în ambele categorii, artele aducând 114.1 miliarde de dolari (7.8 la sută) economiei. Cei 462,584 de lucrători în domeniul artei din stat au câștigat colectiv 46.7 miliarde de dolari (2015).

Delaware se bazează cel mai puțin pe arte, care reprezintă doar 1.3% din economia statului, sau 900 de milioane de dolari.

Evenimentul: Salonul Artă + Design

Deoarece mulți artiști își prezintă cele mai noi lucrări la acest eveniment, acesta apare în fruntea listei de „de făcut” a lumii artei. Mi-aș fi dorit să achiziționez aproape fiecare piesă care a fost expusă, dar timpul, spațiul și resursele limitate interzic această activitate; cu toate acestea, pot recomanda „câteva dintre lucrurile mele preferate”.

Selecție organizată

1. Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. New York

Molly Hatch aduce WOW-ul în arta contemporană. Ea a transformat ceea ce fusese un clișeu (vase pictate suspendate pe perete, populare în anii 1940) și a transformat conceptul în opere de artă de colecție care se potrivesc stilului de viață milenar (mobile, nelimitate și schimbătoare).

Farfuriile agățate au fost un mod tradițional de a afișa vesela decorativă și a făcut parte din multe culturi din Europa până în Asia. Cu secole în urmă, expozițiile elaborate de farfurii într-o casă erau un semn de bogăție și statut social înalt.

Astăzi, Hatch își proiectează farfuriile pentru a fi atârnate pe pereți, astfel încât să poată fi observate și admirate. Palatul ei supradimensionat și bazat pe culoare încurajează telespectatorii să reconsidere ce este nou și ce este acum; ceea ce era obișnuit este acum extraordinar.

Hatch s-a născut în 1978. Mama ei era pictor, iar tatăl ei, un fermier de produse lactate ecologice. A studiat desenul și ceramica, obținând BFA la Museum School din Boston, MA. După facultate, a lucrat cu olarul Miranda Thomas în Vermont, iar rezidențele de ceramică au continuat în SUA și Indiile de Vest. Masteratul ei în ceramică este de la Universitatea din Colorado, Boulder. În 2009, ea a primit rezidențiatul de arte/industrie în ceramică la John Michael Kohler Arts Center din Wisconsin.

Hatch lucrează în prezent din studioul ei din Northampton, MA. Pe lângă ceramică, ea este scriitoare, artist-designer și creează modele de țesături, mobilier, bijuterii, imprimeuri, desene cu stilou și cerneală și picturi. Ea este inspirată de tendințele istorice în materie de țesături, fonturi, ceramică și mobilier, recunoscând un stil de viață contemporan care include semne din cap către hip-hop, versuri de cântece indie, mesaje text și colocvii colectate.

2. Hubert Le Gall. Galeria secolului XXI

 

Designerul francez Hubert Le Gall s-a născut la Lyon în 1961. A fost un specialist în management la facultate și, după absolvire, sa mutat la Paris (1983). În 1988 a început să picteze și să sculpteze, proiectând piese de mobilier care erau chei de limită, legând poeticul și fantezia de funcțional.

El este inspirat de ceea ce este suprarealist, dar cu șoapte (și strigăte) către civilizațiile grecești și romane, secolul al XVIII-lea francez, perioadele Imperiului, Art Nouveau și Art Deco. De asemenea, a fost inspirat de Salvador Dali, Jean Cocteau, suprarealistii si Max Ernst.

Lucrarea sa a câștigat aplauze internaționale în 1995, când a fost descoperit și promovat de galeristă Elisabeth Delacarte. Prima sa expoziție a fost la Galerie Avant-Scene din Paris, iar lucrările expuse (inclusiv mese cu margarete și comode cu flori) au devenit prețuite ca piesele sale emblematice.

3. Mnisi bogat. Africa de Sud

 

Rich Mnisi, născut în Africa de Sud, și-a început afacerea în 2014. Este remarcat ca lider în știința modei și recunoscut drept tânărul designer al anului din Africa Fashion International (2014).

Seducătorul șezlong din piele al lui Mnisi ia forma lui Nwa-Mulamula (The Guardian) reprezentând prezența străbunicii sale. Este existența ei și învățăturile ei care durează pentru totdeauna prin povestire, generație după generație. Scaunul, în formă de ochi cu bălți de aur,” … reprezintă lacrimile ei, care nu au fost niciodată în zadar. Fără durerea și experiențele ei, nu aș exista. Nu aș putea fi persoana care sunt astăzi” (Rich Mnisi).

Formele senzuale sunt atemporale, iar esența lor este unic africană, în timp ce sunt universal fascinante.

4. Reinaldo Sanguino. Galeria Future Perfect. Orașul New York.

 

Reinaldo Sanguino s-a născut în Venezuela și lucrează în prezent în New York City. Piesele sale de artă și ceramică aduc un omagiu vibrației mediului său, iar fiecare piesă unică folosește mediul argilă atât ca structură, cât și ca pânză.

Sanguino a absolvit Școala de Arte Vizuale Cristobal Rojas din Caracas, Venezuela. Și-a dezvoltat tehnica pe baza interesului său pentru porțelanul Meissen și a importanței acestuia în istoria europeană. El este inspirat și influențat de pictura în stil graffiti, iar lucrările sale atrag atenția datorită culorilor vibrante, texturilor și materialelor maleabile.

În 2007 a fost nominalizat la Premiul Louis Comfort Tiffany Bienala și unul dintre artiștii care participă la Bienala El Museo Del Barrio ediția a 5-a 2007-2008, „the (S) Files” din New York City.

Lucrările lui Sanguino au fost expuse la Galeria Sultan, ca parte a Proiectului Dean New York; Muzeul de Artă și Design, New York; Muzeul de Arte Frumoase, Houston, Texas; Muzeul MINT din Charlotte, Carolina de Nord și Institutul de Arte din Minneapolis, Minneapolis, Minnesota. Și-a făcut Design Miami/debutul cu The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso și Alison Siegel. Galeria Heller. New York

Pamela Sabroso a primit o licență în artizanat și studii materiale de la Virginia Commonwealth University (2007), iar Alison Siegel a primit o licență în arte plastice la Alfred University (2009). În prezent, locuiesc și lucrează în Brooklyn, New York.

Au început să lucreze împreună în 2014, constatând că ideile lor apar și fuzionează prin desene, discuții și fizicitatea lucrului strâns împreună. Împreună, sunt aventuroși și aduc o nouă calitate proaspătă și unică fiecărui obiect pe care îl creează. Lucrările finale sunt distractive, inteligente, animate, neconvenționale și îndrăznețe. Lucrând cu siguranță în secolul 21, ei împărtășesc o libertate creativă care își are rădăcinile în mișcarea American Studio Glass timpurie.

Lucrările cu forță de muncă intensivă pornesc de la realizarea pieselor și matrițelor de ceară pentru suflarea sticlei și se extind până la suflarea sticlei. Sabroso, discutând despre munca ei cu Siegel, „...pentru a fi creativ trebuie să vă permiteți să fiți vulnerabil. Când ești sincer despre cine ești, dezvălui o perspectivă unică și ciudată. Creațiile noastre combinate sunt Stranger Together.”

6. Frank Lloyd Wright. Arte plastice Bernard Goldberg. New York

Wright s-a născut în Richland Center, Wisconsin (1867). În timpul carierei sale de 70 de ani ca arhitect, Wright a creat peste 1100 de proiecte. Deși a intrat la Universitatea din Wisconsin (1885) și a studiat inginerie civilă, în curând a devenit nemulțumit de acest domeniu. Când a lucrat pentru Joseph Silsbee la construcția Capelei Unității, și-a dat seama de pasiunea pentru arhitectură, așa că s-a mutat la Chicago și a făcut ucenic la firma de arhitectură Adler și Sullivan, lucrând direct cu Louis Sullivan (1893).

S-a mutat apoi la Oak Park, Illinois și a început să lucreze din studioul său de acasă, unde a dezvoltat un sistem de design dezvoltat din unități de grilă, cu accent pe materiale naturale, care a devenit cunoscut sub numele de Prairie School of Architecture.

În anii 1920 – 1930 și-a petrecut timpul predând și scriind. În 1935 a început să lucreze la Fallingwater, cel mai celebru design rezidențial al său. În anii 1940 – 1950 s-a concentrat pe design-ul usonian care reflecta credința sa în arhitectura democratică, oferind opțiuni rezidențiale pentru clasa de mijloc.

În 1943 a proiectat Muzeul Solomon R. Guggenheim din New York. Muzeul a fost deschis în 1959, la șase luni după moartea sa și este remarcat ca fiind cea mai importantă lucrare a sa.

Galeria de Arte Frumoase Bernard Goldberg din New York a început în 1998 de un avocat din New York. Astăzi, galeria este specializată în arta americană (1900-1950), inclusiv picturi, sculptură și lucrări pe hârtie Ashcan, moderniste, realiste urbane, realiste sociale și regionaliste.

Hoi Polloi participă la eveniment

 

Căutați Salonul în noiembrie 2019. Faceți-vă rezervarea devreme... acesta este un eveniment stelar pentru oricine consideră fascinantă lumea artei și a designului.

© Dr. Elinor Garely. Acest articol cu ​​drepturi de autor, inclusiv fotografii, nu poate fi reprodus fără permisiunea scrisă a autorului.